domingo, 28 de diciembre de 2025

Joker (2019)

 


Joker es una película dirigida por Todd Phillips y estrenada en 2019. Es una reinterpretación del conocido villano de DC, diferenciándose de las demás por su énfasis en la compleja psique del personaje que terminará convirtiéndose en el Joker. La historia se sitúa en una Gotham City degradada, violenta y sucia, y sigue a Arthur Fleck, un hombre solitario con diversos trastornos mentales que trabaja como payaso y aspira a convertirse en comediante. Poco poco, se muestra el progresivo deterioro mental y su respectiva explosión contra la sociedad y sus normas, después de haber sido corrompido por ésta.

Joker es una de mis películas favoritas, principalmente por su inteligente forma de contarte las cosas desde la imagen. No necesita del subrayado en los diálogos, se centra principalmente en la actuación de Joaquín Phoenix y en sus acciones que simbólicamente representan las capas del personaje. Se queda muy lejos de ser una película de cómics convencional, pues se construye como un drama psicológico que pone el foco en la alienación, la exclusión social y lo fácil que es sucumbir ante la locura. Para mostrar la inteligente forma que tiene Todd Phillips de hablar desde el visual, voy a aportar diferentes escenas dónde se ejemplifica.


Escena inicial: un mundo podrido




                              https://youtu.be/v1bd6qWN_Cs?si=fq3xBmcbWChJRpZP


El primer ejemplo se encuentra en la propia introducción de la película. La escena muestra a Arthur pintándose la cara de payaso mientras se mira al espejo. No hay diálogos, únicamente se escucha la radio de Gotham, en la que un hombre habla de la inmundicia de la ciudad. Ya nos están planteando el escenario como una forma de peso psicológico en Arthur. Se pinta la cara, e intenta sonreír, pero le cuesta, así que con ayuda de sus dedos se abre la boca a la fuerza. Sin embargo, no puede evitar soltar una lágrima mientras se deforma la cara para sonreír. Finalmente se quita los dedos de la boca, y se queda mirándose al espejo con la cara descompuesta. 

Esta primera escena es una maravillosa representación de cómo representar el estado psicológico de un personaje en un solo minuto. Es desgarradora, y únicamente apreciamos su intento en vano de sonreír en un mundo sucio que le incapacita ser feliz. La actuación de Joaquín Phoenix y el elemento sonoro de la radio es suficiente para que entendamos que este payaso que tiene la labor de hacer feliz a la gente, está completamente roto por dentro.


Simbología: escaleras



Durante el inicio de la película, vemos una relación notable entre el espacio y su impacto en el estado mental del personaje. Apreciamos a Arthur Fleck andando encorvado por las palizas que recibe en su trabajo, a través de unas calles repletas de vagabundos y suciedad. Estas largas caminatas por las calles para volver a su casa después del trabajo, nos muestran perfectamente otra vez su estado anímico. La fotografía de la película con estos tonos grises y azulados ayudan a entender la rutina repetitiva que va socavando la vacía alma de Arthur, que solo busca afecto y hacer feliz al mundo. Las famosas escaleras, se muestran por primera vez en esta escena, y Arthur las sube desganado, a paso muy lento y da la impresión de que son interminables. 



Como se puede apreciar rápidamente, la segunda vez que Arthur aparece en las mismas escaleras funciona como una total contraposición de la primera escena. Arthur, que ahora es Joker, ya se ha purificado y poco a poco encuentra su lugar en el mundo (desde el camino de la violencia contra sus verdugos), así que lo primero que hace al maquillarse por primera vez de Joker es volver a esas infames escaleras que tanto le pesaban, y bailar eufóricamente dejándose llevar por este nuevo estado de ánimo que invade su alma. Si en la primera escena en la música había violines melancólicos, ahora la canción es Rock and Roll Part 2 de Gary Glitter. En la primera escena las subía lentamente y con esfuerzo, y ahora las baja bailando libremente. Los tonos azulados de una noche triste también se han transformado en la luz dorada de un día resplandeciente. En conclusión, en ambas escenas las escaleras han funcionado como un símbolo del estado de ánimo de Arthur. Al principio, nos ayudaba a entender su estado apático y la última, podemos apreciar la pura felicidad de una persona que va encontrando su sentido.


La purificación del alma en un baile



https://youtu.be/BBY4zUFxUjA?si=ngOWLL7yJjfIPaE-

 
Recuerdo al ver la película por primera vez que la gente se reía en esta escena, o bien se preguntaban que a qué venía una escena de Arthur bailando durante dos minutos en un baño después de matar a unos abusadores en el metro. Desde el principio, se muestra el baile y la música como una forma de expresión casi espiritual de Arthur. Los jóvenes empresarios del metro, son las primeras personas que asesina Arthur después de haber sido apalizado por ellos. Después de matarlos, sale corriendo por la estación de tren completamente aterrado, y se encierra en unos baños públicos bastante sucios. Cuando llega se relaja, y por primera vez en toda la película, se siente en calma. No se siente una víctima, se siente alguien digno de tener en cuenta.

Casi llevado por la emoción del momento, en la búsqueda de su identidad, procede a un baile improvisado en el cual el cuerpo de Joaquín Phoenix se deforma, mostrando un espíritu libre y en pleno estado de purificación. Un aspecto muy importante en el lenguaje de esta escena, es la banda sonora creada por la compositora islandesa Hildur Guðnadóttir, que suena con unos violines que producen una sensación de calma y de melancolía, pero de alguna forma, combina perfectamente con la espiritualidad del íntimo baile de Joker. Al acabar el baile, Arthur se mira al espejo, y alza los brazos, autopercibiéndose por primera vez como alguien frente al espejo. Todo esto, sin diálogos, solo con un lenguaje completamente basado en un baile. 





El nacimiento de Joker



El último ejemplo del que voy a hacer uso, es la escena final de la película. Después de matar en directo a un presentador de televisión que favorecía al sistema, todo el mundo ha aprovechado para manifestarse de forma violenta contra un gobierno corrupto e injusto. Si bien Joker en ningún ha querido ser un símbolo político, lo ha acabado siendo para todo el pueblo de Gotham, que ahora lo tienen como un mesías. Cuando un coche policía estaba llevando a Joker a la cárcel, una furgoneta se estrella contra éste para salvarlo. Lo colocan en la cubierta del coche, y lo rodea todo el pueblo, como si fuera un ídolo. Arthur, por diversas razones, tiene en frente a miles de personas que lo están aclamando, que lo adoran, que lo aman. Es lo que esta alma rota lleva buscando desde el principio de la película, un poco de amor, de reconocimiento, forjar su identidad. Y ha sido mediante el caos y la violencia que lo ha logrado. 

Subido en el techo del coche, se pone a bailar otra vez (ya he explicado anteriormente lo que simboliza este baile), y de la sangre que brota de su nariz y con lágrimas de felicidad en sus ojos, se dibuja una sonrisa con sangre en la boca, alzando sus brazos (como en la escena del baño frente al espejo) frente a todos sus fieles seguidores. Este es el nacimiento del Joker, ha comprendido su lugar en el mundo, por fin puede hacer feliz al mundo y todo esto se muestra únicamente de forma visual. Toda esta metamorfosis en el personaje, no se ha representado con diálogos, sino con acciones principalmente simbólicas.




FLEABAG

 FLEABAG



Fleabag es una comedia británica que sigue la vida de la protagonista "Fleabag", lo que en principio parece ser una serie sobre una mujer en mitad de los treinta algo diferente y políticamente incorrecta se convierte en más que eso. Fleabag es un personaje complicado con relaciones complicadas, pasando de la comedia al drama en tan solo unos minutos. 

Lo que nos engancha de la serie es su protagonista, la construcción de su personaje y como vamos a ir descubriendo más de ella conforme avance la serie. Nos permite conocer a Fleabag diferentes técnicas de guion y episodios: 

  • ROMPE LA CUARTA PARED 
Desde el principio de la serie Fleabag usa este recurso que solemos ver en películas o series de comedia para conectar con el público, pero en este caso a parte de usarlo cómo recurso cómico tiene una interpretación más profunda. Fleabag nos habla, nos hace algún comentario o alguna mirada expresiva que tanto caracterizan al personaje, cuando necesita evadir o hacer más liviana una situación incomoda. Rompe la cuarta pared porque la situación le supera y necesita una distracción y es en ese momento en el que se dirige al público. Muchas veces lo que realmente está haciendo es huir de sí misma, de la situación en la que se ha metido, las decisiones que ha tomado o el comentario incomodo que ha hecho. 




Sabemos que Fleabag es una mujer graciosa, los pequeños diálogos cuando rompe la cuarta pared son un claro ejemplo, esto también nos permite conocerla. A veces no sabe distinguir que es apropiado y que no, por eso siempre acaba en una situación incomoda de la que necesita evadirse. Pero ella es una mujer que vive como quiere y dice lo que quiere, por eso se siente distinta y diferente porque no sigue las reglas de comportamiento establecidas. Esto también lo podemos ver a lo largo de la serie ya que expresa sus deseos sexuales abiertamente, a veces se siente bien sobre eso, y otras no, pero siempre se siente libre de expresarse aunque no sea moralmente correcta. Tiene un conflicto interior bastante grande con este tema, esto lo vemos especialmente en esta escena en la que se está confesando al cura, con el cual tiene una relación especial, y por fin decide abrirse y admitir que le gustaría vivir conforme a las reglas, que le gustaría que le dijeran como portarse que vestir y que hacer , ya que la libertad que ella tiene le hace preguntarse : ¿Qué coño estoy haciendo con mi vida, lo estoy haciendo bien? 




  • EL CURA 

Este personaje significa para Fleabag un punto de inflexión entre la primera y la segunda y última temporada. Es el primer personaje que realmente ve a Fleabag, que le presta atención. El primer ejemplo de esto es en la escena de la cena familiar cuando se conocen por primera vez, está siendo una cena incomoda y para evadirse Fleabag rompe la cuarta pared, pero el cura como realmente la ve, se da cuenta y le hace una pregunta: Escena cena  

Fleabag durante la primera temporada ha sufrido mucho, porque necesita validación masculina y sentirse deseada, en parte la podemos entender ya que su padre no es ni capaz de consolarla en el funeral de su madre, tiene un gran vacio en cuanto a una figura paterna y una relación sana con los hombres. Por eso mismo, el cura (no tiene nombre como tal, lo llama "Father" o se refiere a él como "the priest") es un personaje importante, se fija en ella de verdad, hasta el punto en el que es el único personaje que le pregunta que a dónde va, refiriéndose a los momentos en los que rompe la cuarta pared : Ejemplo


Fleabag no puede evitar enamorarse de él, además no nos sorprende que vaya detrás de él, ya que la conocemos y sabemos que no se deja guiar por lo moralmente correcto. Tiene una relación un tanto especial con el cura, Fleabag en ocasiones se insinúa, ya que le cuesta abrirse y mostrarse vulnerable a los demás y esto lo compensa con el deseo y con el humor. A pesar de esto, Fleabag termina por declararse. 




  • LA RELACIÓN CON CLAIRE, SU HERMANA

Aunque durante la serie vemos a Fleabag con distintos hombres, la relación más importante para ella y la persona a la que siempre recurre es Claire, su hermana. Nos damos cuenta que la verdadera historia de amor no es entre el cura y Fleabag sinó entre las hermanas. Claire representa todo lo opuesto a lo que es Fleabag, orden, estabilidad, control, normas, el contraste de una hermana con la otra crea un vínculo que demuestra que a pesar de todo eso prevalece un amor y una conexión profunda que cobra más sentido al observar a la familia desestructurada, siendo Claire la hermana mayor un apoyo para Fleabag. 


jueves, 25 de diciembre de 2025

Personaje: Walter White de Breaking Bad

 1. Introducción: el principio de “mostrar y no decir” en guion

En Breaking Bad, el guion va construyendo al personaje de Walter White casi completamente a partir de este principio. La serie en la mayoría de momentos evita definirlo verbalmente y permite que el espectador vaya descubriendo progresivamente su carácter, motivaciones y evolución de personaje a través de su conducta.

2. Presentación del personaje a través de la acción cotidiana

Desde el inicio de la serie, el guion sitúa a Walter White en una serie de acciones triviales y dramáticas. Es profesor de química en un instituto, pero también trabaja en un lavadero de coches porque un solo trabajo no le basta.

El guion no explica que Walter esté frustrado o que se sienta fracasado, pero lo muestra mediante:

  • La diferencia entre su alto nivel intelectual y su posición social.

  • La humillación implícita de lavar coches de alumnos de su clase de química.

Estas acciones cumplen una función de guion muy clara: definir el punto de partida del arco del personaje sin recurrir a diálogos explicativos.



3. El conflicto interno revelado mediante decisiones

Uno de los momentos más significativos del guion es cuando Walter rechaza la ayuda económica de sus antiguos socios para pagar su tratamiento médico.

Narrativamente, esta escena ofrece información clave como:

  • El conflicto pasa a ser interno y moral.

  • El personaje prioriza su orgullo sobre su supervivencia.

El guion no verbaliza este conflicto interno. En ningún momento se dice que Walter sea orgulloso o incapaz de aceptar ayuda. Sin embargo, su decisión dramática define de manera clara este rasgo de carácter.

4. Objetivo, superobjetivo y motivación real

A lo largo de la serie, Walter dice que su principal objetivo es ganar dinero para asegurar el futuro de su familia. Este objetivo es el primero, pero no el más importante. El guion introduce progresivamente contradicciones entre lo que dice y lo que hace porque...

Desde una perspectiva de guion:

  • El objetivo declarado es proteger a la familia.

  • El superobjetivo real es sentirse importante, reconocido y poderoso.

Esta diferencia se muestra a través de acciones:

  • Walter continúa en el negocio incluso cuando ya ha ganado suficiente dinero.

  • Se expone al peligro innecesariamente.

  • Busca reconocimiento explícito por su trabajo.

El guion utiliza esta contradicción para revelar la verdadera motivación del personaje sin necesidad de explicarla.

5. Relación con otros personajes como espejo dramático

La relación entre Walter y Jesse es una de las principales herramientas que se usa en el guion para caracterizar al personaje. Walter adopta una posición de superioridad constante:

  • Corrige a Jesse de forma innecesaria.

  • Le humilla intelectual y emocionalmente.

  • Toma decisiones por él.

El guion no explica que Walter sea manipulador o controlador. Estos rasgos emergen por acumulación de escenas y patrones de comportamiento. Su comportamiento constante define el carácter.



6. Evolución del arco del personaje sin verbalización explícita

El arco de Walter White es uno de los elementos más destacados de la serie. Pasa de ser un personaje pasivo y sumiso a uno activo, dominante y violento. Sin embargo, en el guion nunca se marca este cambio de forma explícita.

No hay una escena en la que Walter diga que ha cambiado o que se ha convertido en alguien distinto. 

El arco se construye mediante:

  • Las decisiones cada vez más extremas.

  • La normalización de la violencia.

  • La pérdida progresiva de límites morales.

El espectador va identificando los cambio a raíz del comportamiento del personaje.

7. El personaje como antagonista de su propio relato

Desde una perspectiva avanzada de la serie, Walter White termina convirtiéndose en el antagonista de su propia historia. Este giro no se anuncia ni se subraya, sino que se construye de manera orgánica a través de sus actos y las decisiones que va tomando.

El guion permite que el espectador vaya sacando sus propias conclusiones sin necesidad de explicaciones, confiando en el poder del lenguaje audiovisual.

8. Conclusión general

El personaje de Walter White es un ejemplo claro de cómo el guion puede dar información sobre un personaje sin decirla explícitamente. A través de acciones, decisiones, conflictos y relaciones, el guion construye un retrato psicológico y moral, aplicando de manera constante el principio de “mostrar y no decir”.

Este enfoque no solo enriquece la narrativa, sino que permite una mayor implicación del espectador, que participa activamente en la interpretación del personaje. Esto se valora mucho porque el público se vuelve más activo con la serie.

Lila Cerullo: Desesperación de la femme fatale


La amiga estupenda es la primera novela de la aclamada Saga Dos Amigas de la misteriosa autora italiana Elena Ferrante (pseudónimo). La sensacional saga ha sido adaptada a una serie dirigida mayoritariamente por Saverio Costanzo, contando con cuatro temporadas que dan vida a la tetralogía: “La amiga estupenda”, “Un mal nombre”, “Las deudas del cuerpo” y “La niña perdida”.


La serie narra el recorrido vital de dos amigas que viven en un barrio pobre de Nápoles en los años 50: desde la historia de cómo se forma su amistad, hasta la precaria realidad de la injusta y desigual sociedad en la que viven. Desde niñas, deben enfrentarse al miedo que les imponen tanto las fantasías típicas de la niñez, como los terrores de la realidad a su alrededor. Serán testigos de la violencia hacia sus madres y otras mujeres de barrio, de la desigualdad entre los hombres ricos y sus padres, humildes trabajadores y, también entre ellas y el resto de niños de la escuela. También se enfrentarán a sus propias identidades: leerán Mujercitas y desde entonces, se obsesionarán con el estudio y con la inteligencia, pero se darán cuenta de que estudiar es un privilegio por el que deberán luchar, y les costará palizas.


El vínculo entre ambas protagonistas, Elena Greco y Lila Cerullo, es, en mi opinión, un vínculo complejísimo. Dado que la novela está narrada en primera persona por el personaje de Elena (que está escribiendo la historia de sus vidas), nunca se ofrece la perspectiva de Lila. De esta manera, aunque ambas son protagonistas, una de ellas nunca llega a tener una voz real. Lo que sabemos de ella, es siempre lo que Elena y el resto de personajes piensan de ella. Por ello (y porque es sin duda mi personaje favorito) me parece realmente interesante analizarla.


Lila es un personaje que se caracteriza por el misterio y la imprevisibilidad. Nadie sabe lo que pasa verdaderamente por su cabeza, nadie conoce del todo su visión del mundo y de las personas, pero todos conocen su agilidad mental y su asombrosa inteligencia. Desde niña, siempre ha sido la más lista, e incluso ha sido considerada un genio. Sin embargo, al ser la más pobre de las dos amigas, no ha podido continuar sus estudios y su familia la ha condenado a trabajar en la zapatería de su padre y a buscar marido lo antes posible. 

                                           

Lila vive con un tormento mental desde que es niña. En ocasiones, tiene una

especie de “arrebatos” en los que observa como las figuras de los objetos y

de las personas se desdibujan, que los contornos se disuelven y renuncian a

sus formas. Estos episodios le producen un profundo terror y conmoción.

Aunque los tiene desde que es pequeña, en la serie no se explica hasta la

cuarta temporada.

Un aspecto que intuimos del personaje (por su forma de ser y las decisiones que toma a lo largo de la trama), es su dedicación a la supervivencia. En diversas ocasiones, ni Elena ni el resto de personajes comprenden las decisiones de Lila, y por ello, es impredecible. Desde actuar con indiferencia ante el estudio y desinteresarse por el progreso de su amiga (para lidiar con el hecho de que ella se ha quedado estancada y no podrá continuar estudiando), hasta rechazar o aceptar a hombres adinerados que la desean simplemente por llevar la contraria a su familia y no someterse a la voluntad de nadie. El instinto de supervivencia de Lila funciona de la siguiente manera: “Me aferro a algo o a alguien hasta que me quedo atrás, entonces, finjo desprecio o desinterés ante tal cosa para no mostrar debilidad”. Aunque también cumple la fórmula de: “Detesto el rumbo que está tomando mi vida, pero finjo amarlo para no parecer rota”. Por ello Lila, en diversas ocasiones, se ha enfrentado a Elena y a otros con irascibilidad y destructividad.

“¿Sigues perdiendo el tiempo con esas cosas, Lenu? Estamos volando encima de una bola de fuego. La

parte que se ha enfriado flota sobre la lava. En esa parte construimos los edificios, los puentes y las

calles. De vez en cuando la lava sale del Vesubio o provoca un terremoto que lo destruye todo. Hay

microbios por todas partes que nos hacen enfermar y morir. Hay guerras. Mires donde mires hay una

miseria que nos vuelve malvados. A cada instante puede ocurrir algo capaz de hacerte sufrir tanto que

nunca tendrás lágrimas suficientes para lamentarlo. ¿Y qué haces tú? ¿Un curso de teología en el que

te esfuerzas por entender qué es el Espíritu Santo? Déjalo estar, fue el diablo quien se inventó el mundo,no el Padre, el Hijo y el Espíritu Santo”.


https://youtu.be/2pWKHBTragY?si=IKfWcc-29UjbK0gg


Lila es un personaje valiente (temeraria incluso) desde el principio, no se

planteará dos veces rebanarle el cuello a un hombre que la amenace a ella o

a su amiga Elena. Sin embargo, ese instinto de supervivencia también la

hará quedarse en un matrimonio abusivo, por miedo a que él sea quien la mate. 



Otro aspecto que no se explica, pero que se muestra directamente, es la

percepción deconstruida que Lila tiene de sí misma. Sabemos que experimenta

episodios en los que las figuras se descomponen, sin embargo, un evento

durante la serie nos abre paso a conocer cómo experimenta ella su identidad.


La fotografía de su boda con Stefano Carracci causa sensación. Aparece en el escaparate de la zapatería, pero también es reclamada en la charcutería. Su carisma y belleza son codiciadas por todos los hombres, que se pelean por ella en discordia y la rompen todos por igual, en pedazos.



A ella se le ocurre una idea, y todos esperan confiando en que hará algo

brillante, pero destructivo. Comienza a trazar a lápiz la fotografía, y al

poco tiempo, le pide a Elena que la ayude. Ambas trabajan juntas durante

horas. El resultado es un collage de su figura descompuesta, destruida en

mil pedazos de cristal. Aunque no se explica directamente, su obra nos da

a conocer la imagen que tiene Lila de sí misma. 




Lila es una mujer idealizada por todos. Su imagen parece construirse con

los pensamientos que el resto tiene sobre ella y, de esta manera, ella

siente que su identidad ha sido profundamente fragmentada y robada, pues

muchos han querido aprovecharse de ella.


https://youtu.be/SqAvCbmLm58?si=WoEo-hFsjhY_ll04


Lila cumple a la perfección el arquetipo de Femme Fatale,una hermosa mujer que cautiva a todos, con una inteligencia afilada, algo

de maldad y “locura”. 


https://vm.tiktok.com/ZNRjrBjdc/


Su personaje es profundamente incomprendido, aunque su contexto es el más

difícil de todos. Elena es capaz de salir del barrio (metáfora de salir, no

solo de la pobreza sino también de la miserabilidad, de conseguir ser

alguien, una escritora de renombre), mientras que Lila, con una mente

brillante y que podría haber sido más que alguien, estaba destinada desde

un inicio a perder


https://vm.tiktok.com/ZNRjrLkwP/



https://vm.tiktok.com/ZNRjrSedG/


En cuanto a la relación de Lila con su propia belleza, también es un

aspecto que siempre se ha tratado desde puntos de vista externos a ella,

nunca desde una primera persona. 


Lila comienza a utilizar su belleza como un arma letal, como algo de lo que

puede sacar provecho. No ha podido continuar estudiando y, por ello, se

refugia en la estética y en la apariencia. Desde labios pintados de rojo

hasta conjuntos considerados reveladores para la época y la gente del

barrio. Sin embargo, creo que es todavía más profundo: no solo “utiliza” la

belleza para sacar provecho, sino que, toda una vida de ser cosificada ha

hecho que sienta su belleza como algo a lo que aferrarse y no perder,

traduciéndose en una complicada relación consigo misma.



A su vez, siente que, a través de Elena y sus logros, ella puede vivir la vida que nunca pudo. Por eso su relación es tan especial.


"Enhorabuena Lenu por todo, te lo mereces. El libro, a tu marido, a las niñas. Te mereces todo lo que

tienes. Te lo has trabajado".


Su final es trágico, como estaba previsto. Tras la desaparición de su

hija Tina se vuelve completamente desquiciada, pierde el respeto que

le tenía la gente del barrio y su cordura. Destinada a perder después de otro destello de luz.


"Tu propósito fue siempre otro, quería volatilizarse; quería dispersar hasta la última de sus células, que de ella no encontraran nada. Y como la conozco bien, o creo conocerla, doy por descontado que ha encontrado el modo de no dejar en este mundo ni siquiera una migaja de sí misma, en ninguna parte”.





domingo, 21 de diciembre de 2025

PUTA














Esta corta historia está inspirada en el mito de medusa. La protagonista es juzgada injustamente por la sociedad, es una verdad incómoda de afrontar igual que mirada petrificante de Medusa. En ambas historias se castiga a la mujer y no al hombre, y es más, son las otras mujeres las imponen el castigo. 

Guion

Mansedumbre

Esta pieza adapta el mito clásico del Rapto de Europa al entorno de las corporaciones modernas, transformando el secuestro divino en una forma de abuso de poder laboral. La trama sigue a Europa, una joven del sur, en su ingreso a la "Fundación Atlas", donde el Zeus contemporáneo no es un toro blanco, sino un directivo depredador que utiliza la precariedad como herramientas de seducción y control.  

Los paralelismos mitológicos, si bien no son literales, hacen presencia constante en la temática y de forma simbólica: desde el toro blanco degradado en un cartel de hotel, hasta el personaje de Hera, que aquí encarna la amargura de la mujer que ya fue víctima del sistema y ahora vigila con impotencia un ciclo que no puede detener. El vestido blanco desechado y la huida final hacia Creta aclaran el rapto no como algo físico, sino moral.


¿hemos normalizado el sacrificio personal como precio de entrada al éxito? Mansedumbre

La Muerte de Balder

 Esta es una interpretación del mito nórdico de la muerte de Balder, hijo de Odín asesinado por Loki. En esta versión, una adolescente llamada Helena (que encarna a la diosa  Hel, hija de Loki y diosa del Helheim), recompone su identidad creando un teatro de mitología en el que interpreta el papel de la diosa para no morirse de asco en el hospital psiquiátrico en el que la han metido sus padres.

¡Oye tú! ¿Eres nuevo?



Joker (2019)

  Joker es una película dirigida por Todd Phillips y estrenada en 2019. Es una reinterpretación del conocido villano de DC, diferenciándose ...